Por cierto, ‘Zeitgeist’, una de mis palabras favoritas, es un vocablo alemán, que viene a significar ‘el espíritu del tiempo’, la esencia de lo contemporáneo. En alemán ‘zeit’ es tiempo, y ‘geist’, fantasma o espíritu. En el año 2000 diseñé un proyecto que, curiosamente, se llamaba así. Consistía en una especie de método/herramienta para ayudar a cualquier persona a captar la esencia del momento en que vive, por medio de su capacidad crítica como individuo. Más adelante comentaré algo sobre este proyecto…

Este video es una pequeña muestra (sin editar nada) de la Videoinstalación Ø|U, realizada en el Monasterio de la Cartuja de Sevilla en Febrero de 2008, para la clausura del Congreso Internacional de Arquitectura sobre Jørn Utzon.

Ø|U: Concepto y realización de Javier Milara, con la colaboración de Kela Jurado y Rocío Rodríguez en el montaje.

(versión doblada, obtenida en Youtube)

Cortometraje mítico y esencial… IMPRESCINDIBLE VIDEARLO!!!

Uno de mis preferidos: gran sencillez de medios y un resultado tremendo… para hacernos reflexionar.

Extracto de la narración:

Caminamos por una plantación de tomates, y vemos a un ser humano, un japonés llamado Suzuki. Los seres humanos se distinguen principalmente por dos características, el telencéfalo altamente desarrollado y el pulgar oponible; la primera permite al ser humano almacenar gran información, el pulgar oponible el movimiento de pinza de los dedos, y la manipulación de precisión. Esta combinación le da al ser humano oportunidades de mejora en el planeta, entre ellas…cultivar tomates.

El tomate es un vegetal y su principal utilidad es servir de alimento para los seres humanos como el señor Suzuki, quien a su vez los vende a un supermercado a cambio de dinero.
Doña Anita tiene el telencéfalo altamente desarrollado y el pulgar oponible, y vino al supermercado para cambiar su dinero por tomates y carne de cerdo. Esta obtuvo su dinero gracias a su trabajo de vendedora de perfumes.

Algunos de los tomates que el señor Suzuki vendió al supermercado, y que fueron pagados por Doña Anita, con dinero logrado a través de perfumes, fueron transformados en salsa para la carne de cerdo. Uno de estos tomates a juicio de Doña Anita no estaba en condiciones para el consumo y lo tiró a la basura. Una ciudad como Porto Alegre produce unas 500 toneladas de basura por año. Esta basura se almacena en lugares donde pueda oler mal y atraer enfermedades. En Porto Alegre, uno de los lugares escogidos para que la basura huela mal se llama Isla de las Flores. Hay pocas flores en la Isla de las Flores, sin embargo hay mucha basura y en medio de ella el tomate que Doña Anita creyó inapropiado para la salsa del cerdo.

Hay también muchos cerdos en la isla, que podrán comer el tomate que Doña Anita tiró a la basura. El cerdo tiene un dueño, que es un ser humano, con telencéfalo altamente desarrollado, pulgar oponible, y dinero. Este señor compró un terreno en La Isla de las Flores, donde se depositaría la basura. Este terreno, fue cercado para que los cerdos no pudiesen salir y los humanos no pudiesen entrar y acceder a la basura.
Aquello que fue considerado como impropio para la alimentación de los cerdos por parte de sus dueños, será utilizado en la alimentación de mujeres y niños, seres humanos con nada de dinero. Por ser muchos, son organizados por el dueño del cerdo en tandas de 5 minutos para acceder a la comida que los cerdos habían rechazado.
El tomate, plantado por el señor Suzuki, cambiado por dinero al supermercado, cambiado por el dinero que Doña Anita cambió por los perfumes extraidos de las flores, rechazado para la salsa del cerdo, tirado a la basura, rechazado por los cerdos como alimento, está disponible ahora para los seres humanos de la Isla de las Flores, y todo por no tener dinero, ni dueño.

La Ilha das flores. Cortometraje Jorge Furtado. 1989. Brasil

[este extracto gracias a ·]

Desde hace quince años, el holandés Theo Jansen se ha dedicado en cuerpo y alma a crear una nueva forma de vida. Sus “Strandbeest” (bestias de la playa) parecen tan orgánicas que desde lejos se confundirían con inmensos insectos o esqueletos de mamuts prehistóricos, pero están hechas a partir de materiales de la era industrial: tubos de plástico flexible, cinta adhesiva. Nacen dentro de un ordenador en forma de algoritmo, pero no requieren motores, sensores o ninguna clase de tecnología avanzada para cobrar vida. Se mueven gracias a la fuerza del viento y a la arena mojada que encuentran en su hábitat de la costa holandesa.Desde su laboratorio de Ypenburg, Jansen estudia la historia de la evolución biológica para dotar a sus nuevas generaciones de criaturas de capacidades cada vez mayores. Su sueño es que algún día aprendan a evolucionar sin su intervención y continuen sus vidas como cualquier otro organismo, sometidas a los ciclos de la naturaleza.

Todos los que observan por primera vez la belleza de una de las criaturas de Theo Jansen desplazándose sobre la arena entienden de inmediato que el trabajo de este ingeniero, científico y artista es algo especial. Sin embargo, durante más de una década ha permanecido en la oscuridad y sólo recientemente ha sido descubierto por la comunidad artística internacional. En la pasada década deslumbrada por la revolución digital, su obra podía parecer rudimentaria, sobre todo en comparación con la sofisticada producción que estaban realizando sus coetáneos en el campo del arte robótico. Hoy, en la era en que la convivencia entre la técnica y la naturaleza en pos de la sostenibilidad es una prioridad urgente, sus estrategias de diseño resultan más relevantes que nunca.

Las criaturas de Jansen comienzan su gestación como una simulación dentro de un ordenador, en forma de organismos de vida artificial que compiten entre sí por ser el más veloz. Jansen estudia las criaturas vencedoras y las reconstruye tridimensionalmente con tubos flexibles y ligeros, hilos de nylon y cinta adhesiva. Aquellas que se desplazan más eficazmente donarán su “ADN” (la longitud y disposición de los tubos que forman sus partes móviles) a las siguientes generaciones de Standbeest. A través de este proceso de hibridación y evolución darwiniana, las criaturas se vuelven cada vez más capaces de habitar su entorno, y pueden incluso tomar decisiones para asegurar su supervivencia; el “Animaris Sabulosa”, por ejemplo, hunde su nariz en la arena para anclarse si detecta que el viento es demasiado fuerte para permanecer en pie.

Jansen trabaja ya en la séptima generación de criaturas de la playa. Sus últimas piezas pueden incluso transportar pasajeros en su interior -el “Animaris Rhinozeros”, un gigante de dos toneladas de peso que puede ser movido por sólo una persona- y llegar hasta donde no haya viento ni arena, gracias a un ingenioso sistema de impulsión basado en aire comprimido almacenado en botellas de refrescos.

En el futuro, el artista holandés prevee que sus creaciones se volverán cada vez más sofisticadas anatómicamente: desarrollarán músculos, un sistema nervioso, y algún tipo de cerebro que les permita tomar decisiones complejas. Y un día, anhela, las criaturas de la playa no le necesitarán para seguir evolucionando. Manadas completas en las playas competirán por ser las más veloces y estables, y transmitirán de manera autónoma su ADN a las siguientes generaciones, integradas ya por completo en su ecosistema.

Tras abandonar sus estudios de física, Theo Jansen empezó su carrera artística en los 70 como pintor. Posteriormente se comenzó a interesar por áreas como la aeronáutica y la robótica. Su “UFO” (OVNI), una aeronave con forma de platillo volante con la que aterrorizaba a los habitantes de la ciudad holandesa de Delft, y su “máquina de pintar”, un robot que traza graffitis sobre una pared, mostraron su habilidad para aplicar sus conocimientos de ingeniería a diferentes proyectos artísticos. A comienzos de los 80, Jansen comenzó a crear programas de simulación algorítimica de vida artificial. Su interés por diseñar organismos vivos y autónomos a través de software le lleva a iniciar su serie de esculturas cinéticas “Strandbeest”, el proyecto que le ha proporcionado un reconocimiento a nivel internacional. Entre otros galardones, Jansen ha recibido el premio especial del jurado en Ars Electronica 2005.

Texto originalmente publicado en el catálogo de ArtFutura 2005.

www.strandbeest.com

photos by loek an der klis

El vídeo en Vimeo:

diaporama del Guadalquivir desde mi movil from javier milara on Vimeo.

El mismo vídeo en Youtube:

Evidentemente, hay que dejar de publicar en Youtube, y no sólo por el formato (penoso) que da a los videos, si no por su política de derechos de autor (sucks!)

“Menos interés por la tecnología y más por las ideas” Pablo Valbuena

Pablo Valbuena, arquitecto y artista, acaba de presentar Augmented Sculpture, una pieza de arte lumínico que reflexiona sobre la relación entre tiempo, espacio y perfección, en el prestigioso festival Ars Electronica. El proyecto fue desarrollado durante Interactivos? 2007, en el Medialab Madrid.

Pablo Valbuena es madrileño, arquitecto, tiene 28 años y es el único español con una instalación en Ars Electronica 2007. Aunque ha dedicado algunos años al desarrollo del espacio en los videojuegos, hoy se dedica exclusivamente a la producción artística. Su instalación de Arquitectura Aumentada es una reflexión luminosa e hipnótica sobre el espacio, el tiempo y la percepción. Pero no hace falta irse tan lejos: es una de las estrellas de la Noche en Blanco de Madrid.

Tu pieza es una construcción arquitectónica sobre la que se proyecta luz y que está acompañada de música ¿Cómo encaja esta pieza tan narrativa dentro de la tradición del Light Art, en el contexto de artistas como Dan Flavin?

El objetivo de esta línea de trabajo es investigar sobre la cualidad temporal del espacio, desarrollando el concepto de espacio-tiempo como algo indisoluble, en lugar de pensar en el espacio y el tiempo como ideas autónomas entre sí. La pieza busca trabajar sobre un espacio en transformación, dinámico.

La luz es en este caso es un medio para desarrollar todas estas ideas, de alguna manera luz y sonido están íntimamente ligados con esa cualidad temporal del espacio. Einstein hablaba de cómo no percibimos la luz como materia a causa de su velocidad, y la percepción sonora es más secuencial que la visual, con lo que resultan dos medios de trabajo idóneos para investigar sobre este tema.

¿Cuáles son sus precedentes dentro y fuera de tu producción artística y cuál es el propósito de tu pieza?

De los artistas que trabjan con luz me interesan especialmente algunos que desarrollan su obra pensando en la luz como un material más, como algo físico y tangible, como James Turrell u Olafur Eliasson. Por lado también me interesan artistas como Moholy-Nagy que en obras como Light-space modulator trabaja con esa dimensión transformadora de la luz.

En el taller de Medialab Madrid, donde se presentó hace un par de meses, escalaste la instalación, de maqueta a una pieza más grande. ¿Piensas hacerla aún más grande?

El primer acercamiento a esta línea de trabajo fue con unos pequeños prototipos de escala objetual que reflejaban perfectamente la idea detransformación a través de la luz. La pieza que hice en Interactivos 2007 para Medialab Madrid supuso un aumento de escala que afectó de una manera sorprendentemente positiva a la manera de percibir la pieza.

¿Cuál es el futuro de esta pieza?

Me interesa seguir desarrollando piezas de esa escala para espacios interiores pero actualmente estoy trabajando en una pieza para la Noche en Blanco que va a suponer otro aumento de escala significativo.

Este trabajo sobre la escala me ha servido para darme cuenta de cómo la escala y los modos depercepción arquitectónica del espacio a través del movimiento del observador pueden ser un elemento de interactividad en sí mismos, a menudo mucho más directos y potentes que los interfaces a los que estamos acostumbrados.

Hablemos de interactividad. Convertir tu pieza en una instalación interactiva comprometería esa cualidad narrativa, casi hipnótica que posee ¿Tienes planeado dar ese paso?

Las piezas que he desarrollado para Medialab Madrid y Ars Electronica funcionan muy bien a un nivel narrativo y de percepción espacial, realmente no veo la necesidad de dar el paso de la interactividad para estas piezas. De hecho tengo la sensación de que existe un desmesurado interés en que todo sea interactivo.

Cuando hablamos de la relación entre arte y tecnología creo que hay medios de interacción mucho más sutiles e interesantes que la acción/reacción directa. De hecho son esas interfaces más sutiles las que son más interesantes y más vinculadas a nuestro modo de percepción. En este sentido creo que con esta “interactividad sutil” se puede mantener un grado de interactividad sin comprometer la parte narrativa.

¿Qué te ha parecido lo más interesante de Ars Electronica 2007?

Me ha resultado interesante una pieza que trabaja sobre la escritura china a través de la intensidad y ritmo de la respiración. Es una de esas piezas en donde la interacción está bien incorporada a la idea generadora de la obra y acabasiendo algo invisible.

Por otro lado, me ha resultado llamativa la cantidad de obras relacionadas con Second Life, en muchos casos sin excesivo interés, y de hecho me ha sorprendido que ninguna de las que he visto plantee cuestiones sobre la sustitución de la relación personal real en plataformas como Second Life o World of Warcraft desde un punto de vista social.

Sobre lo que desearía ver en España, la verdad es que en general me gustaría ver menos interés por la tecnología y más interés por las ideas. En el campo del arte y la tecnología creo que en ocasiones la segunda cobra un peso excesivo que acaba siendo contraproducente.

Actualmente la luz no tiene un papel importante en el desarrollo urbanístico, al menos en España ¿Se te ocurre algún proyecto a imitar en este sentido?

Es bastante obvio que las consideraciones lumínicas quedan bastante atrás en las prioridades del desarrollo urbanístico. De hecho creo que se está desperdiciando una posibilidad de trabajar y enriquecer el espacio urbano, y no hablo sólamente desde un punto de vista estético.

Por otro lado parece que empieza a haber cierta conciencia sobre estos aspectos que espero siga evolucionando. Me parecen interesantes los proyectos que trabajan a una escala urbana en este sentido.

Existen varios proyectos que transforman edificios enteros en pantallas de luz nocturnas que dialogan de distintas maneras con la ciudad. Pueden responder a consideraciones puramente visuales pero también podrían ser utilizados como elementos funcionales, representando la densidad de tráfico circundante, el volumen del sonidoa mbiental o el nivel de ocupación de un edificio.

También hay proyectos más lúdicos, como el del Graffiti Research Lab, que están en Ars Electronica y que trabajan con la posibilidad de desarrollar la expresión urbana visual sobre las fachadas de la ciudad de una manera interesante.

Eres una de las estrellas de la Noche en Blanco de este año. ¿Qué llevas a Matadero?

La pieza de la Noche en Blanco va a ser una instalación urbana, estará localizada en la Plaza de las Letras, cerca del paseo del Prado, con motivo también de la inauguración del nuevo espacio del recientemente nombrado Medialab Matadero Madrid en esa plaza.

En esta pieza utilizaré una escala mayor, investigando las posibilidades del arte público y el espacio urbano. Voy a trabajar de una manera similar a las anteriores piezas de la serie Augmented Sculpture pero en lugar de producir una geometría propia voy a trabajar con la plaza en sí misma y los elementos, materiales, y geometría arquitectónica que la conforman.

La inauguración de esta pieza será la misma Noche en Blanco, el 22 de septiembre, y se quedará en la plaza durante varios meses, con lo que espero seguir trabajando y desarrollando diferentes ideas sobre el espacio público a lo largo de este tiempo.

Me gustan las proyecciones sobre este edificio neoclásico, pero yo habría usado otra música…

Graffiti hechos con luz… bastante chulos!

Application of Augmented Reality in Architecture and Urban Space – Architecture thesis project in Ecole Spéciale d’Architecture Paris Oct 2005 by Quck Zhong Yi, with help from Alexandre Pachiaudi (Pico), Anny Galanou, Gaetan Kohler, Nicolas Trouillard, and Leila.

Interactive Architecture is an illustration of the concept that digital projections can interact with the surfaces upon which they are projected. G.R.L. is proud to introduce Agent Watson; specializing in British ninja tactics and particle systems.

[Más info en la web de Graffitti Research Lab]