[texto de LA CASA ENCENDIDA]

Dentro por fuera, exposición dedicada a Ellen Kooi (1962, Leeuwarden, Holanda). Las fotografías de Ellen Kooi toman como punto de partida el paisaje holandés, que se transforman en escenario de acontecimientos ambiguos e inexplicables. La aparente naturalidad de las imágenes, que conservan siempre la espontaneidad de una instantánea, encierra un intrincado método de producción: dibujos preparatorios, trabajo con los modelos, diseño de la iluminación y las localizaciones, a la manera en que se trabaja en el cine y a la manera de los antiguos pintores barrocos. Esta mezcla entre naturalidad y artificio confiere a las fotografías de Ellen Kooi una atmósfera inquietante y que ejercerá una innegable atracción sobre la mirada del espectador”.

• Fecha: del 15 de abril al 15 de junio.
• Entrada libre.

Dentro por fuera, Ellen Kooi. Espacio A

[Lo que sigue es el texto del artículo 'Fantasías de mujer', publicado en EL PAÍS SEMANAL nº 1645]

Fabular en torno al retrato de un hombre que no llegó a conocer es el origen del que nacen las extrañas, inquietantes y bellísimas obras de Ellen Kooi (Leeuwarden, Holanda, 1962). “De pequeña me asombraba la fotografía con su extraño silencio. Encontré una de mi abuelo y me imaginaba todo tipo de historias alrededor de su rostro. Era mi héroe. Más tarde me enteré de cosas que me derrumbaron el mito. Igual fue éste el origen de lo que hice más tarde cuando comencé a trabajar con la realidad aparente de una foto para contar mis propias historias”.

Sus dos aficiones, el arte y el teatro, llevaron a esta holandesa que sale poco de Haarlem, a 20 kilómetros de Amsterdan, donde vive, a trabajar con la cámara como lo hacía con los pinceles en la escuela de bellas artes dondes estudió. Su vida cambió el día en que afrontó uno de los trabajos prácticos, hacer carteles. Sacó de su mochila el montón de fotos que había ido tomando a grupos teatrales y el póster le quedó tan estupendo que todas las compañías de cómicos sólo querían ser captados por su cámara. “Tenía que hacer carteles de obras que aún no se habían estrenado y fue a partir de ahí cuando empecé a interesarme en la relación entre cuerpo y tiempo de una forma más espacial”, dijo en una entrevista a Catherine Somzé.

Ellen Kooi no deja nada al azar en su trabajo. Como si realizara una película, primero dibuja la escena y luego dirige a sus modelos. Busca localizaciones y sitúa la acción en un paisaje. Pero, paradójicamente, sus fotografías no parecen en absoluto elaboradas, son de una espontaneidad increíble.

Ella retrata como pintaban los grandes maestros holandeses del siglo XVII. Con una diferencia: en cada obra de esta mujer se esconde una historia, un relato que habla de melancolía, desengaño o frustración. Cuando se observa una foto de Ellen Kooi y sus campos de hierba húmeda, canales y bosques, se sabe de inmediato de dónde son estos paisajes. Forman parte de la tradición heredada de Salomón o Jacob van Ruisdael. “La mayor parte de mi trabajo está relacionada con mi entorno. La gente que llegó a Holanda no vino y se asentó sin más; tuvimos que construir el espacio alrededor nuestro, porque el agua nos rodea. Hemos adoptado el paisaje a nuestras necesidades. Con mis fotos intento recrear mis impresiones de algunos paisajes. Son metáforas para esas sensaciones”.

Octavio Zaya, comisario de la exposición de Ellen Kooi que podrá verse en La Casa Encendida de Madrid, sugiere alguna intención más profunda: “Ella utiliza una naturaleza perfecta para producir imágenes oníricas. Recurre a ella para crear lugares donde ocurren acontecimientos ambiguos e inexplicables. Mientras Kooi sostiene ante nosotros el paisaje ideal, sus personajes y sus misteriosas acciones parecen consumidos en algo que podría socavar ese ideal. En esos paisajes se muestra tanto la belleza como la desorientación”.

Siempre hay mujeres en las fábulas de Ellen Kooi. En movimiento, en soledad. Es de las pocas fotógrafas que adoptan la naturaleza como el escenario donde se desarrolla la acción. A veces hace guiños o rinde homenajes sinceros a los artistas que más han influido en su trabajo, como Caspar David Friedrich. Por ejemplo, el retrato de la mujer vestida de rojo hundida en un mar de espigas remite a uno de los cuadros emblemáticos del arte contemporáneo, Christina’s world, del estadounidense Andrew Wyeth. “Inconscientemente siempre doy a mis fotos una dimensión de peligro. Algo que es y está puede perderse para siempre”.

Sus personajes provocan inquietud. Son los sueños de una mujer que puede conseguir que los niños broten de los árboles como si fueran cerezas, pero aunque se permita tales licencias, esta “equilibrista, funambulista del tiempo” detesta que a su trabajo se le añada la palabra surrealista, y mucho más la de realismo mágico.

Una de sus preguntas recurrentes es acerca de la influencia de la geografía en las personas, y, una vez más, Kooi se remonta a sus recuerdos de infancia: “Vivía con mis padres en los suburbios de una ciudad. A un lado de la calle había amplios espacios verdes, y al otro, rascacielos. Era un entorno dual y todavía me acuerdo de la forma diferente en que me sentía a un lado u otro de la calle”. De ahí, de su almacén de vivencias, procede esa inquietud que se desprende de sus vistas panorámicas. De hecho, una de sus primeras obras tuvo que ver con la ciudad de Groningen y los canales: “Siempre me interesó”, dice, “observar cómo la gente espera mientras los barcos y el tiempo pasan”. Kooi utiliza en muchos de sus trabajos el cuerpo humano como puente. “Coreógrafos como Pina Bausch o Jan Fabre han tenido una influencia muy importante sobre mi trabajo. Ellos me enseñaron cómo el cuerpo es un medio de expresión”. Son historias sin final, “las cuento para que el espectador pueda inventar las suyas”. Ése es el reto.

Una muestra considera el plagio una fuente de creación subversiva
‘Plagiarismo’ reflexiona sobre la evolución cultural del concepto de copia

A buen seguro, la exposición Plagiarismo no gustará a la SGAE. La guardiana del copyright no se ha pronunciado hasta el momento sobre esta muestra, que inició su andadura en la Casa Encendida en Madrid explicando e ilustrando cómo el plagio, o la copia, puede ser también fuente de creación y subversión. La polémica muestra, comandada por Jordi Costa y Álex Mendíbil, en el Espai Cultural Caja Madrid, donde permanecerá hasta el 4 de julio, establece una cata en la historia de la cultura y su consecuente reflexión, no exenta de humor. “Lo que queremos es provocar el debate”, apunta Costa echando mano de una paradoja: “Cualquier plagiario que puede pagar los derechos del original está libre de culpa”. Y el comisario pone como ejemplo clarificador el sampler que Madonna ha realizado a partir de Abba o la reiteración que Hollywood acostumbra a hacer de una misma película.

Los comisarios analizan el fenómeno a través de dos fuerzas opuestas: la histórica, que desde siempre ha canibalizado el arte sin complejos y la opuesta y más moderna que, con la ley en la mano, equipara plagio y delito. Costa y Mendíbil se apuntan a la teoría memética según la cual “el fenómeno plagiario ya se inicia en nuestro adn, que se desarrolla a base de copiarse a sí mismo”.

DISCURSO ILUSTRADO

Las piezas de Plagiarismo ilustran ese discurso que los autores remontan al Quijote de Avellaneda o a los muchos pastiches generados por el personaje de Sherlock Holmes, más allá de su creador Conan Doyle. Así vemos la instalación Apocalipse Now, de Artemio Narro, que sincroniza el discurso final de Kurtz, el personaje de Marlon Brando en la película de Coppola, con la tierna imagen de Winnie the Pooh. O la manipulación musical que David Domingo hace de la película El exorcista de William Friedkin: “Además de vomitar, canta”, prometen con ironía los rótulos de la muestra.

Así, al tiempo que el espectador se entera de que Disney jamás pagó derechos de autor por su “saqueo” a los cuentos infantiles europeos, se le ofrece la oportunidad de pintarrajear una réplica de La Gioconda de Leonardo, partiendo de la manipulación de Marcel Duchamp, que le añadió unos irreverentes bigotes, o de ver cómo el concepto de autoría en la música folk americana –unos auriculares permiten constatarlo– tiene unas imprecisas fronteras.

Orson Welles, que con su película Fraude elaboró un discurso similar, tiene un lugar de honor en Plagiarismo. Especialmente con la inclusión de algunas de la copias que el protagonista del filme, Elmyr d’Hory, hizo de algunas de las obras maestras de la pintura. Esas falsificaciones han sido prestadas por un coleccionista residente en Eivissa.

La música y especialmente las mezclas de algunos dj’s tienen su ejemplo en el híbrido que Dj Danger Mouse hizo del White album de los Beatles con el Black album de Jay Z, produciendo el Grey album, cuya posibilidad de descarga en un solo día marcó una jornada histórica en internet. Según los comisarios, este tipo de creación plagiaria conlleva una mayor peligrosidad para el sistema, que, sin embargo, ve con buenos ojos cómo “la publicidad crea y multiplica sus mensajes”.

Más curiosa es la forma en la que el tercer mundo afronta la idea de copia sin complejos. Es el caso de la turkexplotation, de la que se exhibe una selección. Se trata de versiones de superproducciones como La guerra de las galaxias, Spiderman o Star Trek realizadas sin el menor rubor en Turquía con presupuestos ínfimos. Toda una joya del trash.

El Periódico, 10/05/06 [via firgoa]

[La siguiente cita me ha parecido tan oportuna que he decidido plagiar la acción de usarla para comentar este artículo:]

Si la naturaleza ha creado alguna cosa menos susceptible que las demás de ser objeto de propiedad exclusiva, esa es la acción del poder del pensamiento que llamamos idea, algo que un individuo puede poseer de manera exclusiva mientras la tenga guardada. Sin embargo, en el momento en que se divulga, se fuerza a sí misma a convertirse en posesión de todos, y su receptor no puede desposeerse de ella. Su peculiar carácter es también tal que nadie posee menos de ellas porque otros posean el todo. Aquel que recibe una idea mía, recibe instrucción sin mermar la mía, del mismo modo que quien disfruta de mi vela encendida recibe mi luz sin que yo reciba menos. El hecho de que las ideas se puedan difundir libremente de unos a otros por todo el globo, para moral y mutua instrucción de las personas y para la mejora de su condición, parece haber sido concebido de manera peculiar y benevolente por la naturaleza, cuando las hizo, como el fuego, susceptibles de expandirse por el espacio, si ver reducida su densidad en ningún momento y, como el aire, en el que respiramos, nos movemos y se desarrolla nuestro ser físico, incapaz de ser confinadas o poseídas de manera exclusiva. Las invenciones, pues, no pueden ser, por su naturaleza, sujetas a propiedad. – THOMAS JEFFERSON

AWARD at the FEIDAD 2005-06 , result http://feidad.org/homepage2005/winners.htm

Link and all movies / pictures / texts : Feidad 2006 web site on “I’ve heard about”

hypnosis chamber

Opening 9th of February 2006 on 500 m² in Antwerpen (Belgium) / Opening 6th of July 2005 on 800 m² in Paris

Print the “opening invitation card” to be on site at time : 1 / 2

Antwerpen / De Singel / from 9th of February 2006 to the 9th of April / Desguinlei 25 / 2018 Antwerpen / Belgium / Phone +32(0)32482828

Paris / MAM / Musee d’Art Moderne de la Ville de Paris / from 7th of July 2005 to 9th of Octobre / Couvent des Cordeliers / 15 Rue de l’ecole de Medecine / 75006

DOWNLOAD /

- High resolution pictures 1-2-3-4-5-6-7-8-9-10-11

- Hypnotic Chamber 1-2-3-4 (sintering model, realisation indoor & outdoor)

- The Social Protocol (english) / Le protocole territorial (french) – Word format 375 ko

- More Texts

- Movie (3mo quicktime)

- I’ve heard about SCRIPT (word format)

LINK with Feidad 2006 web site on “I’ve heard about” (all movies)

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____________________________________________________________   Rumours I’ve heard about something that builds up only through multiple, heterogeneous and contradictory scenarios, something that rejects even the idea of a possible prediction about its form of growth or future typology. Something shapeless grafted onto existing tissue, something that needs no vanishing point to justify itself but instead welcomes a quivering existence immersed in a real-time vibratory state, here and now. Tangled, intertwined, it seems to be a city, or rather a fragment of a city. Its inhabitants are immunized because they are both vectors and protectors of this complexity. The multiplicity of its interwoven experiences and forms is matched by the apparent simplicity of its mechanisms. The urban form no longer depends on the arbitrary decisions or control over its emergence exercised by a few, but rather the ensemble of its individual contingencies. It simultaneously subsumes premises, consequences and the ensemble of induced perturbations, in a ceaseless interaction. Its laws are consubstantial with the place itself, with no work of memory. Many different stimuli have contributed to the emergence of “I’ve heard about,” and they are continually reloaded. Its existence is inextricably linked to the end of the grand narratives, the objective recognition of climatic changes, a suspicion of all morality (even ecological), to the vibration of social phenomena and the urgent need to renew the democratic mechanisms. Fiction is its reality principle: What you have before your eyes conforms to the truth of the urban condition of “I’ve heard about”. What moral law or social contract could extract us from this reality, prevent us from living there or protect us from it? No, the residence protocol of “I’ve heard about” cannot cancel the risk of being in this world. The inhabitants draw sustenance from the present, with no time lag. The form of the territorial structure draws its sustenance directly from the present time.. “I’ve heard about” also arises from anguishes and anxieties. It’s not a shelter against threats or an insulated, isolated place, but remains open to all transactions. It is a zone of emancipation, produced so that we can keep the origins of its founding act eternally alive, so that we can always live with and re-experience that beginning. Made of invaginations and knotted geometries, life forms are embedded within it. Its growth is artificial and synthetic, owing nothing to chaos and the formlessness of nature. It is based on very real processes that generate the raw materials and operating modes of its evolution. The public sphere is everywhere, like a pulsating organism driven by postulates that are mutually contradictory and nonetheless true. The rumours and scenarios that carry the seeds of its future mutations negotiate with the vibratory time of new territories. It is impossible to name all the elements “I’ve heard about” comprises or to perceive it in its totality, because it belongs to the many, the multitude. Only fragments can be extracted from it. The world is terrifying when it’s intelligible, when it clings to some semblance of predictability, when it seeks to preserve a false coherence. In “I’ve heard about,” it is what is not there that defines it, that guarantees its readability, its social and territorial fragility and its indetermination.   Monad of “I’ve heard about” by “Contour Crafting process” USC, LA, Bherokh Khoshnevis / New-Territories

Nanoreceptors “I’ve heard about”, on electronic microscope and sintering model (read the “Self alienation” article in the Neighboorhood protocol (download it at the head of this page)

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Confesaré, para empezar, que James Turrell (Los Ángeles, 1943) me parece uno de los
creadores visuales más fascinantes de esta época. En Roden Crater, un
volcán apagado o dormido en Arizona, ha trabajado desde hace treinta
años en su gran obra, un fabuloso proyecto cuya culminación está
prevista para el año 2006. Desde los túneles y las cámaras elípticas
excavados en el interior del cráter, se podrán observar los ciclos
solares y lunares, ver capturada la luz de los astros y un fragmento
del cielo enmarcado formando una bóveda ilusoria. Este observatorio,
que suscita al mismo tiempo el recuerdo de Stonehenge y de Abu Simbel,
implicaría al espectador en una relación íntima con el cosmos.

Todo comenzó hacia 1965, cuando Turrell alteró los espacios del Mendota Hotel de Los
Ángeles para que en ellos pudiera percibirse la luz sin ningún marco de
referencia. Turrell es un místico de la luz. Sostiene que la luz es
nuestro medio físico: vivimos en la luz y nos la bebemos (“We’re light
eaters. We drink light as vitamin D”). La luz es arquitectura y
atmósfera, espacio y tiempo. La luz es un símbolo de lo espiritual,
como sabemos por las vidrieras de las catedrales góticas y por los
resplandores que contemplamos cuando cerramos los ojos. “Ve adentro y
saluda a la luz” (“Go inside and greet the light”): James Turrell
siempre recuerda estas palabras que le dijo su abuela para invitarle a
los encuentros religiosos cuáqueros. (En los últimos años, Turrell ha
regresado al seno de la comunidad cuáquera y recientemente ha diseñado
un templo para ellos en Houston.)

La vasta obra de Turrell, que ya fue objeto de una retrospectiva en Madrid, en La
Caixa, en 1992, vuelve ahora con esta exposición que si no puede ser en
absoluto completa, sí representa un espléndido modelo reducido. La
comisaria de la exposición, Ana Mª Torres, trabajando en estrecha
colaboración con el artista, ha reunido dos piezas tempranas y cuatro
instalaciones recientes. Las dos piezas pertenecen a una serie de
poliedros de luz datados en 1968: se trata de una pirámide azul (Alta, blue) y un prisma rojo (Juke, red)
creados mediante un haz de luz que desde dentro de una pared se
proyecta en el rincón opuesto de la sala. El fluido luminoso se
congela, se coagula en una masa sólida y casi podemos palpar sus
superficies, sus aristas. A Turrell le gusta hablar de sí mismo como un
“escultor de luz” y lo cierto es que en estas piezas la luz parece
tallada como si fuera mármol.

Un oscuro pasillo nos conduce a las instalaciones que ocupan la mayor parte de la
exposición. En ellas reaparece la solidificación de la luz, pero
combinada con otros procedimientos que tienden más bien a
desmaterializar, a disolver todo lo sólido en una neblina. Porteville
(2004), por ejemplo, consta de una serie de pantallas de luz enmarcadas
con los colores complementarios que van cambiando de color lentamente
en ciclos de seis minutos. El muro rojo del fondo, aparentemente
sólido, no es en realidad sino el resplandor de un espacio contiguo
saturado de luz. En otra de las instalaciones, Catching breath
(2004) distinguimos en una pared lo que parece una pintura o un bloque
azul incrustado y en realidad es un vano iluminado. Al acercar la
cabeza, descubrimos con sorpresa nuestra capacidad de atravesar los
muros como auténticos fantasmas. En la dialéctica barroca de Turrell,
la arquitectura sostiene y enmarca la luz, pero ésta, por su parte,
puede destruir la arquitectura real y remplazarla por otra ilusoria. En
estas instalaciones, el secreto ya no reside en lo que pasa ahí, ante
nosotros, sino en lo que le sucede a nuestro cuerpo. La supresión de
cualquier objeto, cualquier imagen, cualquier punto de referencia,
trastorna nuestro sentido del emplazamiento y nos deja como suspendidos
en el aire por arte de magia. El procedimiento se basa en un fenómeno
óptico conocido como el efecto Ganzfeld.

Los primeros exploradores del Ártico describieron la extraña pérdida de la visión
que sufrían recorriendo la extensión blanca, uniforme y vacía del
paisaje polar. Los buceadores que descienden sin la referencia de una
pendiente submarina o los aviadores que avanzan en la niebla se ven
abocados a la misma suerte. En 1930, Wolfgang Metzger reconstruyó en un
laboratorio el efecto Ganzfeld: situados ante una pared blanca y curva
que abarcaba todo su campo visual, los sujetos dejaban de percibir la
pared y se encontraban sumidos en una niebla sin límites. Turrell
descubrió ese efecto en 1968, trabajando con el científico Edward
Wortz, que investigaba las alteraciones perceptivas que sufrían los
astronautas. El Ganzfeld es un campo visual de color e intensidad
luminosa uniforme, un campo que carece de singularidades, de
irregularidades hasta tal punto que el ojo no es capaz de enfocar
ningún punto.

Las otras dos instalaciones pertenecen a una serie titulada precisamente Ganzfeld. Para entrar en ellas hay que descalzarse. La primera, bajo el título Pneuma
(2004) (que será adquirida por el IVAM) consiste en un Ganzfeld
encajado dentro de otro; atravesamos una especie de puente como colgado
sobre la nada para llegar a una sala circular oval blanca donde los
ecos nos perturban. Aural (2004) nos conduce por una rampa hasta
el umbral del vacío –un espacio azulado, vagoroso, indefinido, un
verdadero balcón al Nirvana. El propio Turrell evoca a propósito de
estas instalaciones las clásicas vivencias de los que han estado cerca
de la muerte. Pero no es necesario ser cuáquero, ni californiano, ni
creer la reencarnación (como el propio Turrell) para experimentar un
leve temblor ante estas escenografías de lo inmaterial. Al suprimir los
objetos, las imágenes y el foco de la visión, el espectador se enfrenta
a la realidad de su propia percepción y se encuentra por así decir
mirando su propio mirar, atrapado en una gama hipnótica de sensaciones
que están más allá de todo intento de descripción verbal.

entrevista con James Turrell

‘greeting the light’ entrevista a Turrell por R. Whittaker

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